TertúliaView: Dark (2017) de Baran bo Odar e Jantje Friese

  


Suspense é um dos meus gêneros favoritos. Talvez por isso a atmosfera do trailer de Dark, nova série original da Netflix, me chamou a atenção. Em linhas gerais ele apresenta uma pequena cidade alemã, Winden, envolta em um caso de desaparecimento de uma criança, se abrindo a diferentes possibilidades: Seria uma série de aventura e mistério com um grupo de adolescentes? Uma série policial? Tem monstro?! A imagem da caverna me levou para essa direção, e até me fez lembrar de outro filme de monstro lançado recentemente, Dark Was the Night, que também é ambientado em uma floresta.

   Assistindo a série vi que estava, ao mesmo tempo, certo e errado na minha primeira impressão. A atmosfera de Dark, como o título pode querer expressar, é escura e pesada, te envolve e te engole, uma história intrigante e com várias reviravoltas. De forma geral, o gênero suspense e policial atravessam a série. O primeiro desaparecimento se junta a outros e em certo momento se descobre o corpo de uma das vítimas. A polícia tenta juntar as peças de um difícil quebra-cabeça de peças que não se encaixam ou que não fazem sentido estarem ali. No entanto o tema principal de Dark parece ser algo mais abstrato: o tempo.

Claustrofobia mandou um abraço

   No pôster de divulgação já havia uma dica em relação ao tema ser o tempo na chamada: "A questão não é onde. Mas quando." [em inglês "The question is not where. But When"]. Mas como isso é tratado na série? A relação causa e consequência tem um aspecto central no desenvolvimento de uma narrativa. A partir das ações iniciais se dará um certo resultado que irá concluir a trama. Dark ao apresentar os personagens destaca suas ações como uma forma de mostrar as escolhas que foram feitas e se estas tiveram, têm ou terão um impacto na trama. Assim como causa e consequência, as escolhas e ações do passado impactam o presente e futuro, mas, dando um passo além desta reta unidirecional, a série mostra que presente e futuro também influenciam no passado.

   "Ontem, hoje e amanhã não são consecutivos. Eles estão conectados em um círculo interminável"

   Dark faz uma clara referência a ideia de eterno-retorno, de que o tempo é um ciclo que sempre irá retornar para seu ponto de origem para ser repetido. Filmes como Feitiço do tempo exploraram essa fórmula, sendo que sua conclusão mostra o desespero do personagem por estar preso a uma situação que não pode ser modificada. Não concordo muito com essa ideia, acredito que as experiências no tempo são construídas e reconstruídas em diferentes épocas e sociedades, não sendo necessariamente repetições. Em Dark só resta esperar a segunda temporada para sabermos quais consequências terão as ações de seus personagens e ver se elas se repetem. Por hora ficamos como uma ótima primeira temporada, intrigante, profunda, questionadora, pois se uma coisa que coça a orelha da gente é o tempo, que não nos concede nada e sempre está pronto a nos tirar. No entanto, como lembra Lenine, "Enquanto o tempo/Acelera e pede pressa/ Eu me recuso, faço hora/ Vou na valsa/A vida é tão rara".

TRAILER DE DARK

A série também tem uma ótima trilha sonora que você pode ouvir nesta playlist 

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TertúliaView: "A Forma da Água" (The Shape of Water, 2017) de Guillermo del Toro

Ano passado fiz uma viagem que jamais pensaria em fazer: fui para a Colômbia sem saber falar nenhuma língua fora o português brasileiro. Mesmo com esse empecilho do idioma percebi que boa parte das pessoas a minha volta estavam dispostos a ajudar, mesmo que o dialogo parece impossível de ser realizado ele estava sendo construído (de maneira bizarra, reconheço). Então parei para pensar... E percebi que todos os seres lutam por dialogo, mesmo que a possibilidade dele pareça impossível, ele pode acontecer sim.

+ A Forma da Água (The Shape of Water, 2017) de Guillermo del Toro

Possuo uma grande admiração pela filmografia de del Toro, pois em boa parte de seus filmes há uma dialética entre o grotesco e o belo, um exemplo? Vamos para sua obra mais famosa, “O Labirinto do Fauno”, que nos apresenta o refúgio mental que uma garota constrói para se proteger das mudanças terríveis em sua vida com a ascensão do ditador Francisco Franco ao poder na Espanha. Conhecemos criaturas abomináveis desde um sapo gigantesco até um fauno horrível, numa narrativa extremamente inovadora de um dos momentos mais tristes da história espanhola.

Em “A Forma da Água” nosso querido diretor não decepciona, nos ambientando nos Estados Unidos da década de 1950, isto é, em meio a Guerra Fria. Um dos períodos mais difíceis da humanidade, pois o poderio mundial era disputado entre duas potências: EUA e a lógica de mercado para garantir a liberdade a todos e a URSS que desejava o fim das desigualdades sociais desejando uma sociedade mais justa. Tal momento ficou conhecido por intensas disputas políticas, econômicas, sociais, tecnológicas e outras, tudo para mostrar ao resto do mundo qual nação e regime político seria o mais poderoso. Mais qual poder? Acredito que poder de destruição em massa, devido ao poder bélico das duas potências. Diálogo? Nenhum. Tanto que tal período é conhecido como Guerra Fria, pois o medo de uma 3ª Guerra Mundial era sempre presente.

Para as pessoas que tem dificuldade de acreditar na gravata esse plot seria impossível, pois o filme possui como protagonistas uma mulher muda (Sally Hawkins), uma mulher negra (Octavia Spencer) e um homem velho gay (Richard Jenkins), auxiliado de maneira inusitada por um espião russo (Michael Stuhlbarg) e que tem como plano de fundo a Guerra Fria... UFA! É impossível apresentar o "diálogo" como motor dessa narrativa. Mas queridx tertulianx, #AcrediteNaGravata, é dentro desse ambiente improvável que surgem as mais belas narrativas cinematográficas, e quando surge um ser meio humanoide meio anfíbio (Doug Jones) é que a mágica do dialogo vem à tona. A empatia e a preocupação pelo outro, faz com que a cooperação entre esses tão distintos personagens se torne a chave para que tal trama tome rumo e conquiste nossas gravatas de maneira rápida.

O personagem de Doug Jones é chave para a construção da narrativa do filme, pois se apresenta como um monstro que deve ser capturado e torturado devido ao seu "perigo" a sociedade. Toda a estética do personagem é extremamente parecida com o clássico de 1954, "O Monstro da Lagoa Negra" de Jack Arnold. Mas tal semelhança fica somente na estética, pois a narrativa quer desafiar certezas absolutas dispares e deseja construir pontes. Essa sacada de ao invés de um monstro sanguinário para um "monstro" que é possível dialogar, destrói todas as tradições formalizadas na sociedade americana que se firmaram na década de 1950, não sendo à toa o contexto histórico do filme.

Comparação entre o poster de "O Monstro da Lagoa Negra" e "A Forma da Água"

Nessa improbabilidade, nesse ambiente inóspito e nessa relação ambígua que del Toro nos apresenta um de seus filmes mais belos, transbordando paixão pela narrativa. Mesmo que possua cenas bizarras e grotescas, o filme é perfeito! Lembre-se! É isso que faz o cinema do diretor mexicano conquistar cada vez mais fãs e é nessa dialética entre o grotesco e o belo que ele nos apresenta essa preciosidade de narrativa.

TRAILER LEGENDADO

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+ bit.ly/AFormaDaGravata

TertúliaView: "Terra Selvagem" (Wind River) 2017 de Taylor Sheridan

Provavelmente você já ouviu falar que o Western ou faroeste (bangue-bangue ou filme de cavalo) é o "cinema por excelência" dos Estados Unidos. De fato é o gênero mais longevo, iniciando com os primórdios do cinema e rendendo grandes filmes até hoje. E de fato como tudo que é longevo está a mercê das transformações do tempo, o próprio gênero Western se modificou. No entanto, não estou aqui para tratar da evolução do gênero até os dias de hoje, isso será assunto de outro post. O que venho tratar aqui é de como Terra Selvagem (Wind River - 2017) é um filme que está inserido neste (podemos dizer) gênero fílmico.

+ Terra Selvagem (Wind River) 2017 de Taylor Sheridan

Dirigido e roterisado por Taylor Sheridan, o mesmo roteirista de A Qualquer Custo (Hell on High Water - 2016) e Sicario - Terra de Ninguém (Sicario - 2015), Terra Selvagem conta a história de uma morte misteriosa em uma reserva indígena no estado de Wyoming, Estados Unidos, e os esforços de Cory Lambert, interpretado por Jeremy Renner, um caçador que protege a reserva de ataques de lobos e leões da montanha, e Jane Banner, interpretada por Elizabeth Olsen, uma oficial do FBI que foi designada a investigar o crime.

 Em um cenário inóspito das planícies geladas do Wyoming, o título do filme brinca com a situação: em primeiro lugar pelo próprio espaço onde o filme se desenrola, um local que remete aos Wilderness dos filmes de faroeste clássicos, apesar de seu clima que chega a 30 graus negativos. Podemos definir Wilderness como qualquer espaço inóspito onde os homens e mulheres, por conta de condições climáticas,  isolamento e contato com a vida selvagem, são testados e tem seus valores civilizatórios colocados a prova.

O antagonismo entre a Cidade e o Wilderness, espaço onde só os fortes sobrevivem.

 E em segundo lugar, o título faz uma alusão à própria condição que os nativo-americanos se encontram. Com uma história de exploração e massacre, estas populações foram sucessivamente retiradas de seus territórios e cercadas em parques e reservas e abandonadas pelo governo americano. Podemos entender o filme como um manifesto clamando por melhores condições para estas populações, que nem sequer entram nas estatísticas de pessoas desaparecidas, ficando desamparadas pela lei estadunidense.

A perda da cultura nativa

Não é apenas no título que encontramos referências a temática do cinema Westerns. O personagem de Jeremy Renner é um exemplar do herói clássico do gênero. Apesar de sua boa relação e proximidade com a comunidade indígena, Cory Lambert não é indígena e sua inserção na comunidade ocorreu pelo seu casamento com uma nativa, exercendo uma autoridade carismática dentro da comunidade. Ele conhece a reserva e seus habitantes e sabe como agir, sempre seguindo seu código de conduta moral particular. Sua motivação também é típica dos heróis de faroeste. Definido conceitualmente como Inner-directed hero, ou seja, o herói motivado por questões interna, Cory decide ajudar nas investigações pelo fato do caso lembrar um grande trauma de seu passado.

Um elemento recorrente do Western Clássico é a partida do herói ao final da aventura, elemento subvertido aqui.

No entanto, alguns elementos subvertem a ordem clássica do gênero. Aqui não há a luta clássica entre o cowboy e os índios, sempre representados como um entrave para a conquista do Oeste. Apesar de haver uma tensão entre nativo-americanos e brancos ela é motivada pela condição que os brancos legaram a estas comunidades. Não há estereótipos indígenas, o que vemos é uma comunidade modificada pelo convívio com o homem branco que marginaliza e não reconhece os direitos destes grupos.

Outra subversão presente em Terra Selvagem é a perda do cowboy como referência.

Apesar de carregar alguns vícios do cinema Western clássico, como  o protagonismo do homem branco e o papel secundário da mulher, Terra Selvagem embarca na locomotiva do novo cinema de faroeste e certamente se tornará uma título lembrado do gênero. Sua crítica social também é um ponto a ser exaltado, principalmente pela escassez de filmes que representam as populações nativo-americanas de maneira não estereotipada e evidencie os problemas que estão legadas.

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Tertúlia Indica: "Eu Estava Justamente Pensando em Você" (Comet, 2014) de Sam Esmail.

Se apaixonar por alguém nos dá uma nova percepção de mundo, um novo gás para enfrentar nosso cotidiano em nome de algo que amamos. Essa nova visão de mundo muitas vezes cria mundos paralelos em nossa mente: podemos acreditar que o mundo está perfeito mesmo que estamos na pior das merdas ou crer que estamos no fundo do poço, sendo que estamos na verdade muito bem. Fazer um relato sobre um relacionamento que marcou parte de nossa vida, mexe com memórias e sentimentos, e os dois são passíveis de mutação... Nenhum dos dois são um concreto firme... Eles sofrem mudanças a todo o momento que o revivamos... Logo objetividade é algo que não encontraremos nesse filme.

+ Eu Estava Justamente Pensando em Você (Comet, 2014) de Sam Esmail

O hoje consagrado criador da série “Mr. Robot”, Sam Esmail, realizou esse filme que tem por uma meta até que simples e apresentada no início do filme: "Os seguintes eventos ocorreram ao longo de 6 anos (alguns em um universo paralelo)". Sim, Esmail irá nos mostrar seis anos de um relacionamento conturbado, que acredito ser inspirado em sua própria vida, mas que aqui é entre a personagem Dell (Justin Long) e Kimberly (Emmy Rossum), assim podemos ter em mente que podemos nos perder facilmente entre o que realmente aconteceu e o que a imaginação do diretor produziu, pois alguns eventos ocorreram em “um universo paralelo”, como alega a frase inicial. Isso mesmo! Possuímos nossas memórias, que foram criadas com base em nossas vivências, mas elas nunca serão estáticas, elas sofrem mudanças a todo o momento. Essa empreitada de realizar um relato cinematográfico de um período intenso entre amor e ódio entre um casal deve ter ser difícil... Tanto para o diretor, como para nós, espectadores. 

"Os seguintes eventos ocorreram ao longo de 6 anos (alguns em um universo paralelo)"

O filme já me conquistou ao ter em seu pôster referências a dois filmes INSANOS, “Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças” (2004) de Michel Gondry e “(500) Dias com Ela” (2009) de Marc Webb. E sim... Entre memórias e realidades, entre conciliações e rompimentos, o filme de Esmail consegue abordar temas presentes nos dois filmes citados e de maneira perfeita! A cena inicial em que Dell (Justin Long) repete várias vezes para si mesmo, “isso não é um sonho, isso não é um sonho!”, é uma boa preparação para o público... O que é real e sonho dentro dessa história seremos apenas nós mesmo que decidiremos... E muitas vezes torceremos como Dell, para que tal cena não cena um sonho e que outra seja apenas um sonho (ou um pesadelo). 

Kimberly (Emmy Rossum) e Dell (Justin Long)

Uma obra com uma narrativa não linear mostrando vários momentos do relacionamento do casal: o dia em que se conhecem, uma viagem a Paris, uma briga pelo telefone, um encontro em um trem e uma visita casual... Essa distinção se momentos faz jus a fotografia do filme, que em quase todo o filme apresenta seus personagens descentralizados (isso mesmo, nada de Wes Anderson por aqui, clique aqui e entenda). Fato que me faz indicar outro filme aqui nas referências, “Namorados Para Sempre” (Blue Valentine, 2010) de Derek Cianfrance, que apresenta o relacionamento de um casal, Cindy (Michelle Williams) e Dean (Ryan Gosling), de maneira não linear em que ao mesmo tempo em que os vemos se conhecendo e cheios de amor, vemos eles se odiando e com o relacionamento beirando ao fim. 

Uma das poucas cenas que nossos protagonistas estão centralizados.

Afinal, quando nos lembramos de um relacionamento ao lembrarmos os momentos bons, já os misturamos com os momentos ruins que vivenciamos... A linearidade vai por água abaixo nessa tarefa de relembrar, logo filme como “Brilho Eterno...”, “500 Dias...”, “Blue Valetine” e o tertuliado em questão não passam da mais pura atividade mental de uma pessoa comum. Diferenças, semelhanças e singularidades marcam relacionamentos e elas estão presentes no filme, que passa por momentos de drama, comédia e romance... Nos ambientes apresentados que vão desde um dia ensolarado até um quarto azulado em Paris, assim o filme se transforma numa viagem sensorial única, ao mesmo tempo em que é fascinante ela é dolorosa. O filme também é marcado por diálogos INSANOS, recomendo que assista com um caderninho do lado para anotar as falas mais marcantes, pois vou deixar esse prazer para você e não encherei você com mais SPOILER.

"Comet" consegue transpor a ideia do sociólogo Zigmund Bauman de modernidade líquida de maneira perfeita, nos mostrando um casal de pessoas céticas modernas, sem crença em amores fantásticos ou eternos, eles são apenas pessoas tentando se encontrar na chamada liquidez de nossa modernidade. Pois hoje, não há mais solidez de ideias ou de comportamentos, vivemos em constates transformações pessoais e nossos queridos protagonistas simbolizam isso muito bem, pois as intensas mudanças de espaço e tempo apresentados mostram as intensas mudanças que vivemos em nossa sociedade. 

TRAILER LEGENDADO

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